В Казахском национальном академическом театре драмы имени Мухтара Ауэзова прошел фестиваль «Қарашаңырақ-2021», посвященный 30-летию независимости страны. Творческий смотр, на котором представили работы молодые режиссеры, стал поводом для беседы с народным артистом СССР Асанали Ашимовым. Художественный руководитель старейшего театра Казахстана сравнил творческие походы корифеев отечественного театра с работой актеров и режиссеров новейшего периода, также дал свои советы людям театра и зрителям.
– Асанали Ашимович, расскажите, что представил театр на фестивале «Қарашаңырақ-2021».
– На суд зрителей и коллегии критиков мы предложили пять новых спектаклей этого года, очень непохожих друг на друга. В основном ставили молодые режиссеры. Так, Елик Нурсултан поставил «Пері қатын» по мотивам пьесы Бертольда Брехта «Мамаша Кураж и ее дети», а Алмат Шарип представил спектакль по повести Толена Абдика «Оң қол». Кроме того, мы приглашали режиссера из Академического немецкого театра Наташу Дубс, она работала над спектаклем «Екеуміз...» по пьесе российского драматурга казахстанского происхождения Олжаса Жанайдарова «Двое в кафе». Также в этом сезоне театр обратился к очень непростому жанру моноспектакля. Речь о постановке Назгуль Карабалиной «Туған күн». А режиссер Нурлан Жуманиязов воплотил на сцене комедию писателя, драматурга, лауреата Государственной премии Тынымбая Нурмагамбетова «Барымен базар».
– Театр посвятил фестиваль 30-летию независимости страны. Что принесла независимость театральному искусству Казахстана?
– Она принесла свободу, у режиссеров появились широкие возможности для воплощения своих идей и творческих экспериментов. В 90-х открылись границы, люди стали ездить, знакомиться с работами коллег из разных стран, участвовать в фестивалях – словом, открывать мир. Свобода стала очень важным фактором развития театрального искусства. Однако говоря о положительных изменениях, я ни в коем случае не собираюсь принижать то, что было до этого. Почти за век существования профессионального театра у нас сложились прекрасные традиции. Они гармонично совместили в себе казахстанскую самобытность и систему Станиславского, в основе которой лежит творческий процесс переживания. Это уникальный синтез, позволивший создать самобытный театр. Сейчас уже появилось поколение, которое выросло в эпоху независимости. У них много возможностей, в том числе это касается и знакомства с новыми веяниями, и это очень хорошо. Вместе с тем они чтят традиции, это тоже очень хорошо, хочется, чтобы так было и дальше: у поколения прошлого можно многому научиться, ведь оно жило искусством.
– Наряду с системой Станиславского в мире существует и знаменитая школа Брехта, основанная на театре представления. На ваш взгляд, какая система сегодня более востребована на театральных подмостках?
– Систему Станиславского никто не отменял, потому что лучше ничего не придумали. Она взята на вооружение мировым театром потому, что зрителю хочется видеть правдоподобие на сцене, ему важно сопереживать героям – без знания системы Станиславского это невозможно. Но я вижу, как система представления сегодня набирает популярность. Возможно, это связано с тем, что сейчас люди ждут зрелищности и нужно придумывать что-то необычное, чтобы удерживать их внимание, – таковы сегодняшние реалии. Надо сказать, что школа представления, как и система Станиславского, требует от актеров полной отдачи и профессионализма. Однако идя различными путями, актеры и режиссеры все же должны чтить театр переживания. Это отправная точка театрального искусства, это великая школа, без нее ничего не будет.
– Как художественный руководитель театра вы наверняка наблюдаете за репетициями молодых режиссеров. Чем отличаются их подходы от работы режиссеров прошлых лет?
– Сегодня подготовка спектаклей занимает меньше времени, чем еще лет 20 назад. Например, наше поколение работало над такими спектаклями, как «Кровь и пот» или «Материнское поле», по полгода. Только читка и разбор пьесы занимали месяц. Сейчас все ускорилось, наверное, это веление времени. Наши молодые режиссеры очень энергичны, у них много идей, богатая фантазия и они способны увлечь и повести за собой актеров. В результате получаются очень интересные работы. И все же хочется пожелать им работать еще скрупулезнее, ведь театр – это многослойный и сложный мир, в который можно углубляться бесконечно. Нужно уделять больше внимания таким вещам, как театральные паузы, органическое молчание, жесты. Ведь можно ничего не говорить, а только сделать движение рукой – и все будет понятно. То же касается и молчания, паузы могут быть очень многозначительными. Это все моменты, благодаря которым спектакль поднимается до произведения искусства. И, конечно же, нужно развивать чувство партнера. Наши корифеи, такие как Елюбай Умурзаков, Серке Кожамкулов, Калибек Куанышпаев, умели доводить эти вещи до совершенства.
– Как вы считаете, обязательно ли режиссеру обладать актерскими навыками?
– Беусловно. Режиссер – это человек, который организовывает весь процесс работы над спектаклем, поэтому он должен не только владеть актерскими навыками, но и знать основы сценографии. Это нужно для того, чтобы он мог доступно объяснить задачу и, если надо, показать актеру зерно образа.
При этом творческий спор с актером в рамках режиссерской задачи уместен. Думаю, что актерам нужно давать возможность делиться взглядами на свой образ, предлагать идеи. Это может помочь выстроить образ, сделать его ярче, богаче.
– Должен ли театр чему-либо учить зрителя?
– Конечно, ведь суть искусства в том, чтобы сделать человека чище, духовно богаче, обратить его внимание на свои поступки, побудить к размышлению, сопереживанию. В этом заключается задача настоящего искусства. Бывает, что человек посмотрит спектакль и словно увидит себя со стороны, задумается о своей жизни, и, может быть, это побудит его что-то изменить в себе.
С другой стороны, очень важна обратная связь. Раньше была хорошая традиция – люди коллективами ходили в театр, а потом могли вместе с режиссером и актерами обсудить спектакль, поделиться мнениями, высказать свой взгляд. В свою очередь, люди театра ходили на производство. Считаю, что это была очень хорошая практика, она была полезна и творческому коллективу, и зрителям, это взаимодействие развивало и тех, и других.
– А критика способствует развитию театрального искусства?
– Только если это грамотная, аргументированная критика. На фестивале «Қарашаңырақ-2021» постановки оценивают театроведы, профессиональные театральные критики. После каждого фестивального показа проходит обсуждение. И это очень важно, именно так рождается искусство и растет профессионализм.
– Каким вы видите будущее театра?
– Театр – это живое искусство, поэтому оно будет востребовано всегда. Но, повторюсь, важно, чтобы каждое новое поколение опиралось на традиции. Традиции – это не что-то теоретическое, это практические наработки, опыт тех, кто создавал театральное искусство. Нужно знать, что было до тебя, тогда твой путь будет успешным.
Статья опубликована в №155, от 21.12.2021 газеты "Вечерний Алматы" под заголовком "Традиции и современность".
Хочешь получать главные новости на свой телефон? Подпишись на наш Telegram-канал!